Sonia Navarro

MUSEO ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID - CONDE DUQUE

Primera obra que vi de Sonia Navarro en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en el cuartel de Conde Duque. Es poco frecuente encontrar obras de tapiz y tejidos y me gustó la idea, ha habido más, pero quizá no les presté la debida atención; y es curioso que me atreviera a traer una entrada aquí porque son artistas que quizá no vuelva a encontrar más obras de ellos, y me gustó la idea, romper con la tendencia de considerar los tapices modernos (continuadores de los tapices renacentistas) obras de artesanía. Empezamos con ellos.

Signo y símbolo (2003) Lino, rafia y algodón tejido. Colección Mariano Yera

Obra de Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, Murcia) 1975. En Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. en Cuartel de Conde Duque, calle Conde Duque, 9-11 de Madrid.

MUSEO DEL TRAJE

Espectacular trabajo de Navarro. Una pena que no se pongan las dimensiones de esta obra, superior a los tres metros de altura, trabajo elaborado con esparto, hoy casi en desuso, prácticamente se semeja a escultura, una mujer con un vestido con un gran volante y un remate que recuerda un danzante derviche. La cartela nos narra lo siguiente:

Palmate. Sonia Navarro (2010) Esparto

"Palmate representa la figura femenina a través del recurso al traje como elemento con una triple función: cubrir, embellecer y proteger. Es un vestido de esparto, una enorme escultura que se erige sobre un círculo, figura simbólica básica que habla de la perfección, el infinito y la eternidad. Navarro trabaja con el último núcleo artesanal del esparto en la Región de Murcia, que, aunque hoy se encuentra en vías de desaparición, en el pasado elaboró todo tipo de productos".

Museo del Traje, en calle Juan Herrera, 2, Ciudad Universitaria de Madrid 

Alberto García-Alix

SALA CANAL DE ISABEL II

Selección de la colección de fotografía de la Comunidad de Madrid, entre los fotógrafos García-Alix y unas imágenes de la llamada noche madrileña, o la Movida con un sin fin de personajes que cambiaron el concepto de la cultura en el país. Supervivientes unos, otros desaparecidos, evaporados, desvanecidos. García-Alix sigue presente, con una mirada abierta e introspectiva, como huyendo del color, en el blanco y negro, sencillo a la vez tan complejo como sus personajes, gente, en apariencia, corriente, contemporánea. Traigo tres imágenes, una de ellas con reflejos que he decidido no dejar fuera.

Willy y Rosa (Willy and Rosa) 1979. Ingreso en colección 2008

Sonia (1986) Ingreso en colección 2008

Noche madrileña (Madrid Nightlife) 1979. Ingreso en colección 2008

14 millones de ojos. Colección, fotografía, público, Sala Canal de Isabel II, en calle Santa Engracia, 125 de Madrid, hasta el 11 de enero de 2026

Alberto García-Alix

Esta fotografía de Alberto García-Alix no recuerdo dónde ni cuándo la tome, ni me atreví a retocarla porque no sabía qué eran reflejos o qué eran recursos del revelado. Un día, en una galería especializada en fotografía entró un cliente para que le valoraran una fotografía de García-Alix; estaba firmada por el fotógrafo en el reverso. Me aparté para que el cliente y el galerista valorasen la imagen, y como castigado en el rincón de pensar hice mi propia valoración del García-Alix fotógrafo, y como tantos otros fotógrafos descubrí que no sabía nada del él, como de tantos otros había visto obra suelta, mucha de ella tópicas, que se repetían como si una imagen justifica todo un trabajo, había visto fotografías que ilustraban artículos, algún libro y, sobre todo, el inagotable discurso de la movida. Y así se escapó el personaje García-Alix fotógrafo entre vanos recuerdos, tan personal, tan fotógrafo, tan sin haberle prestado más atención que la mínima debida.

MUSEO NACIONAL DE ARTES DECORATIVAS DE MADRID

Fotografía de García Alix, realizada por Rossy de Palma. Siempre he creído que el mundo de los integrantes de la Movida va un poco más allá de las modas, su amistad, los vínculos que mantienen son los mismos que cualquier otra persona. Acudí a ver la exposición Más allá de la moda: 15 años de Harper's Bazaar España en el Museo de Artes Decorativas en la que, además de los fotógrafos de la revista, entre ellos Javier Biosca, destaca Rossy de Palma como modelo, y en este caso como retratista, con esta fotografía de García Alix.

Alberto García-Alix. Fotografía de Rossy de Palma. Número de mayo de 2022

Más allá de la moda: 15 años de Harper's Bazaar España en Museo Nacional de Artes Decorativas, calle Montalbán, 12 de Madrid, hasta 22 de junio de 2025.

MUSEO DE ARTE CONTREMPORÁNEO DE MADRID

Esta fotografía la tomé en 2024, en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Según la cartela, es el cartel de Los Veranos de la Villa del año 2000. Para ver esta imagen hay que hacer un ejercicio de abstracción para eliminar mentalmente el reflejo en el cristal de la obra que hay en frente. Imagen difuminada, unos pies calzados con zapato de tacón, zapatos populares, lejos de los tacones de aguja más propios de una pretendida clase alta, clase que probablemente no acuda a los eventos de los Veranos.

Cartel para los Veranos de la Villa, 2000. Bromuro sobre papel

Joan Hernández Pijuan

ALAIOR ART CONTEMPORANI

La pequeña galería-museo de arte en Alaior (Menorca), hay al menos tres obras de Hernández Pijuan, sobre papel, ésta sin título y dos que representan una y dos nubes respectivamente. Interesante sobre todo por la calidad de las obras, como éstas, en un lugar in esperado que no puede el visitante perderse en una visita a la isla. Las nubes, solo traigo una, por los reflejos, incómodos.

Sin título (1963) Tinta china sobre papel

Nubes (1991) Aguafuerte sobre papel Arches

Alaior Art Contemporani, en calle Santiago Pons Quintana, 54-56 de Alaior (Menorca)

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

Espai creuat (1999) Óleo sobre tela. Colección Mariano Yera 

Con el espacio reducido del museo, hay que estar atentos a los cambios constantes de las obras expuestas. Uno de ellos es este magnífico lienzo Espai Creuat -espacio cruzado- de Hernández Pijuan de la Colección Mariano Yera. No tiene medidas en la cartela y es difícil encontrar la obra en otros catálogos; mientras averiguamos algo más nos quedamos con la suerte de habernos encontrado con la esta obra.

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en Conde Duque, 8 de Madrid.

GALERÍA JOAN PRATS. ARCO 2017

Recorreguts en blanc (1999) Óleo sobre tela 165 x 216 cm.

Buscando imágenes en el archivo encuentro esta fotografía de una obra de Hernández Pijuan, un óleo de grandes dimensiones que se presentó en ARCO 2017 la Galería Joan Prats de Barcelona.

GALERÍA RAFAEL PÉREZ HERNANDO

Joan Hernández Pijuan. Obras sobre papel (1987-2002)
Catálogo editado por la de la Galería Rafael Pérez Hernando

Recupero este catálogo Joan Hernández Pijuan. Obra sobre papel (1987-2002) que la Galería Rafael Pérez Hernando editó en 2003 "con motivo de la inauguración de la nueva galería de Rafael Pérez Hernando". En él, el propio Pérez Hernando hace una presentación a través de un texto cargado de belleza e imágenes que trasladan  acercan al lector y al espectador a la percepción original del artista, al campo, a la roturación de la tierra, la labor y las gavillas, enormes pacas que insertan la geometría en el paisaje. El catálogo tiene 437 páginas de la que más de 350 páginas son obras de Hernández Pijuan. 

Sin título (1999) Gouache sobre papel Japón 26.5x34 cm.

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

Celosía. Óleo sobre lienzo 1,14x1,46 cm)

En la cartela informativa de esta obra se pude leer el siguiente texto:

Joan Hernández Pijuan (Barcelona, 1931-2005) Este pintor y grabador, formado en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, comienza pintando obras de estilo expresionista para luego evolucionar hacia un arte abstracto, basado en el interés por el espacio y en la investigación tonal monocromática limitada a los colores blanco y negro. Fundador del grupo Sílex en 1956, Hernández Pijuan busca continuamente la conexión del arte contemporáneo con la prehistoria. Donado por el artista en su ingreso en la Academia en 2000.

EXPOSICIÓN DIEZ AÑOS - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (2015)

Gran espai negre I (2002) Óleo sobre lienzo 165x215 cm.

Se puede leer en la nota de prensa de la exposición Diez años - Joan Hernández Pijuan, en la galería Rafael Pérez Hernando, una dedicatoria esclarecedora para el espectador que no sepa quién es Hernández Pijuan, o quien fue, pues ésta muestra es un homenaje por el décimo aniversario de su muerte; la dedicatoria dice: "A los tractoristas anónimos, que día a día nos ofrecen un cuadro único en permanente cambio". "Hernández Pijuan es el pintor de la sencillez, de la imperfección, de la espontaneidad", no reivindica más que el acto de sentarse a la sombra de una encina, un olivo o un roble y contemplar cómo el tractor transita lento por el barbecho, cómo la reja inmisericorde se hunde en la tierra, rotura, ordena, peina y dibuja, surco a surco, un paisaje tan cambiante como las estaciones; en esta visión tan sencilla se pueden resumir las palabras del propio Rafael Pérez Hernando para dar paso a la exposición: "Esta es una historia de amanecer y atardecer, de invierno y de verano, de luces y tal vez mojada... Nunca a mar."

Sin título (1997) Carboncillo sobre papel Japón 23,5x30.3 cm.

Los dibujos de Hernández Pijuan son la introspección del paisaje, el entorno en el que vive el pintor, cómo lo interioriza para que la obra surja de la realidad "haciendo especial mención del paisaje trabajado por el hombre". Leyendo entre líneas, en el libro editado sobre sus dibujos, surge la exclamación que, invitándonos a dejar a un lado la complejidad de las cosas, nos brinda la sencillez "nos invita a mirar... nos induce a la contemplación cuando vemos un árbol, una nube, un labrado" y susurrar las palabras que el propio artista pregona satisfecho ¡Qué fantástico es el sentido del paisaje!

El marco acota la curva del camino (2001) Óleo sobre lienzo 165x216

Rafael te lleva hasta una de las obras y hace un gesto con la mano abarcando todo el cuadro, y mueve la mano de arriba a abajo, de derecha a izquierda, como si tuviese una llana invisible, sube y baja, rasgando el enlucido anterior que cubría el lienzo "aquí él (Hernández Pijuan) ya intuía que había algo más...", y lo describe en su oficio: "Es la mezcla de albañil enluciendo las telas con la llana, y de tractorista que las labra todavía húmedas". Y es que a veces, creo que Rafael juega con ventaja cuando te cuenta un cuadro, no lo desmenuza ni lo explica, lo cuenta con la certeza de alguien que ha tenido el privilegio de estar junto al artista y ha visto trabajar sus manos, ha oído su voz y se ha imbuido en su interior hasta vivir y sentir lo que el propio artista ha vivido y ha sentido. Así nos describe el inicio de la jornada: "Son las 7:25 de la mañana. El tractor inicia su marcha y los rastrojos de la derecha se impregnan de luz amarilla".

A partir de aquí Rafael nos invita a introducirnos a cada cual en la obra de Hernández Pijuan, siempre desde la sencillez que propicia un trazo libre y puro hasta la más extrema síntesis que surge espontánea, y llevarnos de la mano del artista a su más íntimo propósito: "Intento siempre establecer un diálogo con el cuadro, donde el azar, lo improvisto o lo indeterminado puedan desempeñar un papel importante en el transcurso de la realización de la obra", y leer en ella como quien lee "una carta cuyo anónimo autor sería el paisaje mismo" como nos propone el profesor y crítico Julián Gallego.

Diez años - Joan Hernández Pijuan, en la Galería Rafael Pérez Hernando, en calle Orellana, 18 de Madrid, hasta el 1 de abril de 2015.

Isabel Muñoz

GALERÍA BLANCA BERLÍN

De la exposición colectiva Áurea, en la galería Blanca Berlín sobre lo efímero de la riqueza, el palidecer del oro, el concepto del vanitas y la decadencia, el deseo eterno del poder y la riqueza que el tiempo lo trasmuta en sueño. Sobre la obra de Isabel Muñoz, detalla la hoja informativa, la autora logra en su fotografía que, "además de tener luz propia, conecten con los inicios de la fotografía, con aquellas platas de vidrio que antecedieron a la película fotográfica". El color sepia, en este caso los estucos de la Alhambra, no sé si un experto en algo se quejaba o se admiraba de que una obra en escayola y yeso, ignorando la piedra, perdurase. Vanitas Vanitatis, 

La cartela no introduce en el espíritu de estas obras: "Serie Granada. (proyecto en curso) 2025. La Alhambra Eterna, es el regreso treinta años después, al misterio insondable del más bello poema edificado. Un mantra de piedra carvado por la matemática, la astronomía, la espiritualidad y la poderosa impronta de la mujer nazarí".

En las cuatro obras que componen la serie (aquí sólo traemos dos) Isabel Muñoz imprime "en ellas, el lenguaje fotográfico dialoga con el grabado a través de fotopolímeros con chine-collé realizados por Juan de Lara en su taller Ogami Press; transcribiendo la baraka y la salud perpetua con l lámina de oro, hoy ya púrpura, tan característica de la Alhambra".

Áurea, en galería Blanca Berlín, en calle Limón, 28 de Madrid, hasta el 07 marzo 2026

MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA

Sobre la exposición de Isabel Muñoz, Una nueva historia en el Museo Nacional de Antropología en Madrid, poco puede decir el visitante, a parte de ser diferente a lo que nos tiene acostumbrados Muñoz, en esta muestra no hay personas, sólo arte prehistórico, excavaciones arqueológicas y la labor, el trabajo del hombre en tiempos remotos.

Navari Çori (2022)

La muestra es bella, muy bella y tiene un fin muy claro, tal como se puede leer en la nota de prensa, mostrar "una mirada de profundos valores antropológicos sobre la formación de las sociedades neolíticas a través de cuatro yacimientos arqueológicos de Anatolia Göbekli Tepe, Karahán Tepe, Navari Çori y Suyburç, en el que se muestra la transición del nomadismo a la sedentarización, la cronología, su organización, sus formas de vida, construcciones megalíticas, manifestaciones artísticas y su concepto de 'lo sagrado'".

Göbekli Tepe (2023)

Karahan Tepe (2023)

Göbekli Tepe (2022)

Karahan Tepe (2023)

Isabel Muñoz, Una nueva historia, en el Museo Nacional de Antropología en calle Alfonso XII, 68 de Madrid, hasta el 19 de enero de 2025.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

(PA)Maternidad. Serie Vidas Gitanas, 2011. Isabel Muñoz

Rescato esta fotografía de 2011 de la exposición Vidas Gitanas en Conde Duque de Madrid, inaugurada en 2012,que encabezaba el folleto de la exposición y el cartel de la entrada a la sala donde se llevó a cabo la muestra. Se trataba de una muestra de extraordinaria y singular belleza que, según el tríptico "pretende contar la historia del pueblo gitano español, dando a conocer su gran legado histórico artístico y sus numerosas influencias en la cultura española".

GALERÍA BLANCA BERLÍN. ESCALA 1

En la hoja de sala de la exposición, la galería nos recuerda que en esta muestra de Isabel Muñoz , la fotógrafa catalana nos trae alguno de sus proyectos más recientes, "algunos inéditos, como la serie Los españoles que ha inspirado el titulo de la exposición, en referencia a la armonía de proporciones característica de los caballos de pura raza española". En ella nos comenta el propósito de Felipe II, que da origen a esta raza de caballos, las cualidades que debían adornar al caballo español: nobleza y valentía, no carente de belleza, elegancia y agilidad que se plasma en el baile, manteniendo una conexión íntima con su jinete. En las imágenes vamos a encontrar al caballo como verdadero protagonista, en otras el compañero necesario al que se brinda la belleza de la amazona.

En otra de las series Somos agua (2021), en algunas imágenes se nos antoja continuación de la serie anterior, tan solo que el protagonismo es compartido entre la amazona y el caballo; el medio, el agua, permite a la artista jugar con la delicadeza del movimiento, la sensación de ingravidez en los que ambos parecen cabalgar en una cómplice danza emergiendo del color de la imagen.

La muestra se complementa con obras de la Serie Japón (2018), Serie Omo River (2007) y Serie Roma Barroca.

S/T. Serie Roma Barroca

ESCALA 1 de Isabel Muñoz en Galería Blanca Berlín en calle Limón,  28 de Madrid,  hasta el 10 de diciembre de 2022.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid era, hace años, un centro de referencia. Hubo obras interminables y redujeron el espacio expositivo por lo que hay que estar atento a los cambios que hay en su sala, en la única sala a día de hoy, para descubrir si ha habido cambios. En la última visita pude encontrar esta fotografía de Isabel Muñoz. Un personaje (una mujer) frente a un derribo, está de pie en los restos de las baldosas que aún quedan de un suelo arrancado, frente a una pared blanca; el viento parece agitar lo que puede ser el manteo de una abaya, tiene el gesto de escribir pero aún no hay nada escrito; tras esta escena se ven más restos del derribo, un muro de ladrillo y en el horizonte parece atisbarse unas casas. La obra no tiene título, ni lugar donde está hecha, tan solo el año.

Isabel Muñoz (1951). Sin título (BAM 010), 2005

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en Cuartel Conde-Duque, en Conde Duque, 9 de Madrid

GALERÍA BLANCA BERLÍN DE MADRID

Tan solo dos fotografías de la exposición Coup de Coeur de Isabel  Muñoz en la Galería Blanca Berlín para sintetizar la actual muestra donde se hace un breve recordatorio de la obra de Muñoz y su relación con la galería. Una mirada al pasado -recuerdo de la primera exposición de la artista en 2007 en la galería- y uno de sus últimos trabajos en Japón en 2017. Debajo de cada fotografía reproduzco el texto de la cartela.

Sin título. Serie Tango, 1989
Platinotipia sobre papel de acuarela con sales de platino

Esta fotografía fue adquirida, a instancias del crítico francés Christian Caujolle, por Richard Avedon para su colección personal

Sin título. Serie Japón, 2017
Platinotipia sobre papel Arches Platine

Gembei San es el último descendiente de doce generaciones de fabricantes y mercaderes de seda de la isla Amami, al sur de Japón. Cansados de pagar diezmos al Shogunato, sus antepasados enterraron los hilos, originariamente blancos, ocultándolos a la vista de los recaudadores. Una vez desenterrados, descubrieron que se habían vuelto negros (color imposible de obtener entonces) debido a la alta presencia de hierro en la tierra. Ese intenso color negro es único y sólo se consigue en Amami. Además de dar entrada a Isabel en la isla, Gembei San la introdujo también en el mundo mágico de las sedas y tinturas japonesas.

Coup de Coeur de Isabel Muñoz en Galería Blanca Berlín en calle Limón,  28 de Madrid,  hasta el 12 de diciembre de 2020.

Carmen Calvo

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

Obra de gran formato, que, quizá sea por la orientación vertical o por a incidencia de la luz en el oro del fondo, nunca he conseguido verla con color uniforme. He dudado mucho en traerla aquí, la he fotografiado en días distintos y con luz distinta, es siempre diferente de arriba a abajo con un degradado, como si el oro se convirtiese en plomo, maldición del alquimista.

CALVO, Carmen (Valencia, 1950) Ventana para mis sueños (1998)
 Técnica mixta, collage y pan de oro sobre madera

INFANCIA. SERIE COLECCIÓN OVEJAS AL LOBO EN MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

Al contrario del resto de exposiciones de esta entrada, no existe ninguna cartea que explique al visitante el contenido de esta Infancia serie Colección Ovejas al lobo (2009). La serie que se muestra son cinco serigrafías sobre papel de las que he rescatado tres por lo complejo que ha sido fotografiarlas debido a los reflejos.

Infancia. Serie Colección Ovejas al Lobo, Carmen Calvo, en Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, en Conde Duque, 9 y 11 de Madrid.

QUIETUD Y VÉRTIGO EN MUSEO CERRALBO DE MADRID

Esta exposición del Museo Cerralbo de Madrid pertenece a los evento entorno a PHotoEspaña2018 en torno a la obra de Carmen Calvo que, según el pequeño programa de mano de la muestra, esta Quietud y vértigo "se centra en los trabajos en los que utiliza la fotografía. Carmen Calvo recurre a fotografías anónimas antiguas, fundamentalmente de los años 1940 a 1970, provenientes de álbumes familiares y las somete a una operación de desarraigo, de descontextualización que choca y sorprende". Calvo, continua el texto, "ha construido un mundo complejo y misterioso, no exento de humor e ironía, donde el feminismo y la crítica social, moral y religiosa se entremezclan en el que es una constante la interrogación sobre las formas de comportamiento y de relación entre seres humano".

A Blanca (2016). Técnica mixta, collage, fotografía

Por la repetición (2017). Técnica mixta, collage, fotografía

No es lo que parece (1999) . Técnica mixta, collage, fotografía

La misma ambigüedad en el original (2003). Técnica mixta, collage, fotografía

Quietud y vértigo, Carmen Calvo, en Museo Cerralbo de Madrid, junio-septiembre 2018.

MATAR AL SUEÑO (1969-2019) EN KUBO-KUTXA DE SAN SEBASTIÁN

Cruzamos el puente del Kursaal hasta llegar a Kubo-Kutxa en el edificio del Kursaal. Fue un grato descubrimiento en el viaje a San Sebastián: Carmen Calvo. Han subtitulado la muestra con un expresivo Matar al sueño (1969-2019). Al entrar me dirigí al mostrador de la tienda donde hay libros y folletos. Después del saludo la recepcionista me preguntó si conocía la obra de Carmen Calvo. Le dije que sí, que había visto alguna de sus obras, y esperaba ver, como hasta entonces, fotografías y alguna obra más, alguno de sus montajes; pero son las fotografías las que me llamaban la atención, las que me provocan emociones y evocan sensaciones ya vividas.

La obra de Carmen Calvo tiene el poderoso influjo de rastrea en mi subconsciente, llevándolo de la mano a los años de una posguerra ya avanzada que algunos vivimos: la sociedad patriarcal que había visto y recordaba a través de imágenes, fotografías en blanco y negro a las que es preciso colorear, en ella veía a mi familia, mis vecinos, los amigos perdidos, los conocidos que se ausentaron de nuestras vidas y retornan en pulsiones de una violencia sosegada, apaciguada y callada a la fuerza. Son, eran aquellas imágenes que guardaba, como muchas familias, en una caja de latón: las bodas, los bautizos, los bailes, los retratos de personajes que incluso ahora no llego a reconocer.

La exposición excede desde el inicio mis perspectivas. Es inmensa y abarca la variedad de técnicas en la que se expresa la artista: enormes lienzos con pequeños e infinitos objetos, pizarras, instalaciones y la sugerencia que lanza al espectador en sus propuestas: exquisita, inmensa y a veces, muchas veces, incomprensible, un reto para el quien escribe esto y quien sólo estaba dispuesto, he de confesar, a enfrentarse a las fotografías y poco más.

Excelentemente comentada, un folleto bien escrito y muy asequible al lector que permite adelantar al espectador a la obra y al entorno en el que se ha gestado. Basta imaginar solo el inmenso taller, como se cita, y el paso de las horas en las que se va sucediendo la creación de la obra, la soledad de la artista, como si se leyese, y eso me recordó, un texto de Virginia Woolf, una estancia donde el sol recorre e ilumina los objetos que la habitan, y va dando protagonismo a cada uno durante el instante en el que el rayo de luz se posa sobre él, y se oscurece en la postrera penumbra del inexorable paso del tiempo, así imaginando el taller y, al final, la obra concluida.

Matar al sueño (1969-2019) Carmen Calvo. en Kubo-Kutxa. Kursaal, San Sebastián hasta el 5 de mayo de 2019