Mariano y Vicente Moreno

Vicente Moreno Díaz. Pío Baroja en el estudio de Juan de Echevarría. Toma h. 1907. 

  

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de nuevo una excepcional exposición de fotografía, esta vez de Mariano Moreno y su hijo Vicente, lo que parece ser un indisoluble duo de fotógrafos, "quizá los mejores en su tiempo en su especialidad, artesanos honestos en su trabajo diario, respetados por sus clientes (pintores, escultores, especialistas en arte), que en sus largos años de tarea nos han dejado un monumental tesoro iconográfico, esencial para cercarnos a la historia del arte español".

Mariano Moreno Díaz. Museo de Reproducciones Artisticas. Casón del Buen Retiro.

Como suele ser ya tradición, las cartelas del Bellas Artes son muy completas, con breves pinceladas nos acercan a los autores y nos introducen en sus obras. La peculiaridad de los Moreno es que muchas de sus fotografías nos parecen haberlas visto ya, nos son familiares, tanto, que parecen estar ahí desde que la obra se hizo, el cuadro se pinó y el personaje posó ante la cámara sin saber, tan siquiera, quienes son los autores porque ya es una imagen intrínseca a la obra. Algo similar nos ocurre con el trabjo de Alfonso o Alberto Schommer, capaces de retener en un instante el compendio esencial de toda una generación de autores.

Vicente Moreno Díaz.  Ramón Menéndez Pidal. Toma, h. 1925

A continuación la cartela nos ofrece una breve semblanza de ambos fotógrafos comenzando por Mariano Moreno: "Nacido en Miraflores de la Sierra, un pequeño pueblo madrileño, a la edad de 15 años encontramos a Mariano en el estudio madrileño de Laurent. Con el oficio bien aprendido, creó en 1893 el Archivo de Arte Español, iniciando sus largos periplos por la Península, reproduciendo sus obras de arte y consolidado el valor documental de su incipiente Archivo. Uno de sus primeros trabajos fue el copiado de más de un centenar de cuadros del Museo del Prado, una función en la que fue ampliando su clientela con Patrimonio Nacional, la Academia de San Fernando y las Delcazas Reales. A partir de 1907 comenzó a trabajar para la Junta de Iconografía Nacional y la Sociedad de los Amigos del Arte. Colaboró estrechamente con algunos de los historiadores del arte más prestigiosos, como Aureliano de Beruete y Elías Tormo, para los que reprodujo obras de Goya, Zurbarán y Velázquez. Solo entre los libros, catálogos y opúsculos pueden contarse más de medio centenar de publicaciones, que incluyen referencias sobre la autoría de los Moreno."

Vicente Moreno Díaz. Miguel de Unamuno en el estudio de Juan Echevarría
Toma 1920-1923

Sobre Vicente Moreno, hijo del anterior, comenta: "Hacia 1915 comentó a acompañarle su hijo Vicente (1894-1954), que a su muerte heredó el negocio familiar. Ambos realizaron centenares de retratos de los pintores en sus estudios y de sus propios modelos. Vicente mantuvo su colaboración con la Junta de Iconografía Nacional y la Sociedad de Amigos del Arte. Durante la Guerra Civil trabajó para los organismos públicos republicanos, como la Junta Delegada de Incautación y Protección del Tesoro Artístico."

Vicente Moreno Díaz. Ramón María del Valle Inclán en el estudio de Echevarría
Toma h. 1920-1923  

Vicente Moreno Díaz. Ramón María del Valle Inclán en el estudio de Echevarría
Toma h. 1920-1923

Mariano Moreno García. Retrato del pintor Sorolla y del marqués de la Vega
 Inclán. Toma h. 1915-1919.

Mariano Moreno Díaz. El pintor Antonio García Mencía en su estudio,
Toma h. 1915

Vicente Moreno Díaz. Maruja Mallo en su estudio rodeada de sus obras.
Toma 1936

Concluye la cartela con la compra de sus archivos por parte del Estado: "En 1955 el Estado adquirió el Archivo Moreno que hoy se encuentra depositado en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, encargado de su conservación, catalogación y difusión."

Vicente Moreno Díaz. Académicos de la Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando. Toma h. 1927-1928

La autoría de las reseñas biográficas de Mariano y Vicente Moreno son de Pedro Melero, investigador y coleccionista. Hay que señalar que todas las fotografías expuestas, tal como explican las cartelas correspondientes, pertenecen al Archivo Moreno, IPCE, Ministerio de Cultura y han sido positivadas por J.M. Castro Prieto en 2013. Los negativos se encuentran en el Archivo Moreno, Fototeca del IPCE. Instituto del Patrimonio Cultural de España.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en calle Alcalá, 13 de Madrid

Pedro Roldán

En la sala del fondo, cruzando el último patio de la izquierda del cuartel de Conde Duque, puede verse una de las exposiciones más interesantes y brillantes en Madrid: Arte y Misericordia. El barroco de la Santa Caridad de Sevilla en Madrid. Impresiona toda la muestra, con obras de Murillo, Valdés Leal y Pedro Roldán. La tentación es la de dedicar la entrada a Murillo, excepcional, magistral, con lienzos de gran formato, aunque la iluminación de la sala no permite apreciar su plenitud, por lo que decidí centrar esta entrada en las esculturas de Pedro Roldán. y una virgen anónima de delicada expresión y cuidada talla. La visita es obligada no solo por la calidad de las obras sino por que es ocasión única de contemplarlas, aunque fuera del contexto del retablo para el que fueron elaboradas pinturas y esculturas, a la altura de los ojos del visitantes, y contemplar detalles y colorido casi imposibles de descubrir en las alturas.

SAN JORGE

San Jorge (1673-1674) Madera tallada, dorada y policromada

La exposición gira en torno al Hospital de la Caridad de Sevilla templo dedicado a San Jorge como patrón de la Hermandad, según podemos leer en la cartela. Su escultura preside el retablo mayor, Roldán lo representa como un guerrero heroico con manto de la Orden de Calatrava, con casco, coraza, faldellín o falda corta, y espada. A sus pies el dragón y apoyada la mano izquierda sobre una rueda con cuchillas.

Rostro de San Jorge

"La figura está dotada de particular movimiento al elevar el brazo que sostiene la lanza, haciendo caer el manto por el lado izquierdo y definiendo una curva por el pecho. La verticalidad de la composición queda rota por la posición del brazo, rasgo que queda acentuado con el contraposto de la pierna que apoya sobre el dragón, cuya figura enroscada contribuye a este dinamismo. La rueda con cuchillas en la que apoya la mano es el instrumento con el que fue martirizado según la tradición. La carnación, más clara de lo habitual, es próxima al natural. Las labores de estofado resaltan parte de su indumentaria."


SANTO CRISTO DE LA CARIDAD

Santo Cristo de la Caridad (1673-1674) Madera tallada y policromada

Según la cartela esta pieza, el Santo Cristo de la Caridad, desprende gran emoción con el fin de atraer la devoción, "muestra una de las mayores cotas de tono dramático en la producción del escultor". De cuerpo completo, Cristo se representa arrodillado, "sin paralelismo iconográfico en el ámbito sevillano, por lo que su origen podría estar en alguno de los modelos de los granadinos hermanos García". En este sentido recordar la figura de los hermanos Miguel y Jerónimo García, que según Galán Cortés, en "sus obras siempre reflejan la faceta más humana del Hijo de Dios, alejándose de los planteamientos estéticos anteriores, donde contemplamos a Jesucristo en su faceta mortal, de carne y hueso, que sufre a pesar de su origen divino".

Detalle de las manos del Santo Cristo de la Caridad 

SAN ROQUE

San Roque 1673-1674) Madera tallada, dorada y policromada

Esta escultura representa a San Roque a quien la cartela nos recuerda como el patrón de "los dolientes de los dolores corporales". Se le suele representar mostrando una llaga en su pierna derecha provocada por la peste, enfermedad que él mismo padeció, y acompañado de un perro "que lo alimentó durante su enfermedad" por lo que se representa al animal con una hogaza de pan en la boca, añadiendo en esta obra un niño que camina a su lado que parece señalar la herida de la pierna del santo.

Rostro de San Roque. En el ropaje se han tallado dos veneras de peregrino a Santiago

La escultura está situada ocupa el retablo mayor junto a la escena principal, "dispuesta de forma simétrica e invertida al San Jorge", tal como se aprecia en la posición del bastón de peregrino frente a la lanza de San Jorge que parece cerrar un paréntesis. No obstante, señala la cartela, "la figura de San Roque es más expresiva y de composición más elaborada y dinámica. Los pliegues de los paños sobre la pierna lacerada del santo originan una diagonal hasta la figura del perro, que se cruza con la que marca la pértiga. Destaca el realismo del rostro, el cabello realizado con largos y valientes golpes de gubia, o la actitud de caminar de la figura infantil".

El retablo al que pertenecen las tres esculturas, "fue contratado en 1670, es fruto de la afortunada colaboración del tracista Bernardo Simón de Pineda, el escultor Pedro Roldán y el pintor Valdés Leal, quien lo dora y policroma, invirtiendo en su ejecución más de dos años. Está concebido como una escenografía arquitectónica, efectista y teatral que representa la dramática escena del entierro de Cristo"

Para esta entrada he consultado, a demás de las magníficas cartelas que acompañan a cada escultura, la siguiente documentación:

Miguel y Jerónimo García, Galán Cortés, V., en Identidad e Imagen de Andalucía en la Edad Moderna.

Soledad Sevilla

Medio Oriente (1999) Óleo sobre lienzo. Faro Santander (Santander)

Tres obras de Soledad Sevilla en tres centros diferentes, en el CentroCentro de Madrid con Insomnio de las brumas matinales (2002-2004); en Museo Arte Contemporáneo de Madrid con En mi propio interior (2002) y un espectacular y sugerente Medio Oriente (1999) en Faro Santander en Santander. tres obras de gran formato que recogen el espacio, el ambiente y la luz de lo cotidiano, una pared, un paisaje, un pensamiento.

En mi propio interior (2002) Óleo sobre lienzo. Colección de Arte Afundación.
Museo de Arte Contemporáneo de Madrid

Traigo las tres obras, de diferentes contextos de un mismo año, de este 2026 en el que el visiante se sorprende de la vitalidad de la artista, de la ubicuidad de la obra y del espacio donde reposar la mirada, tres grandes lienzos plagados de detalle y la pincelada menuda.

Insomnio de las brumas matinales (2002-2004) Óleo sobre lienzo. Colección AK
Centro cultural CentroCentro de Madrid.

Dis Berlín

Dis Berlín. El viajero inmóvil I (1982). Museo Arte Contemporáneo de Madrid

Representante del llamado "arte de los ochenta", así nos presenta a Dis Berlín la exposición Mitologías Modernas, en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid. Había visto obra suya en la galería Bat Alberto Cornejo de manera fugaz. Nada más. Desde luego merece un lugar entre los artistas de los años 80 aunque no sea fácil encontrar obra suya (espero equivocarme). Aquí traigo dos de sus obras. La primera, la que encabeza esta entrada de feliz comienzo, un cuadro múltiple El viajero inmóvil, propiedad del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y Las tres Gracias, cedida por la Fundación ICO. Ambas obras con cartela muy escueta con iluminación algo deficiente para dos obras de gran tamaño.

Las tres Gracias (1986). ICO-Fundación ICO

Mitologías Modernas, en sala Alcalá 31 en calle Alcalá, 31 de Madrid.

Darío de Regoyos

Retrato de Miss Jenning(1885) Óleo sobre lienzo 65,6 x 85,8 cm. Adquirido en 2000

En Dama ante el espejo (1885) captó una escena cotidiana atendiendo al simbolismo del espejo, vinculado a la muerte, los fantasmas y las visiones sobre uno mismo. Recoge nuevamente las influencias de Ensor en relación con nuestras mascaras y une naturalismo y el citado simbolismo. Así describe o analiza esta obra la página de Más de Arte, aunque la realidad va un poco más allá del simbolismo que según el autor de la reseña nos revela. La obra, según la cartela del museo de Bilbao, se titula Retrato de Miss Jeanning, que Regoyos pinta en su viaje a Londres para visitar a su amigo el pintor norteamericano Abbot McNeill Whistler en 1885 y, según la ficha del museo, en él "recoge la influencia del maestro americano". La obra mide 65,5 x 85,5 cm, no obstante el original tenía unas dimensiones mayores, 140 x 100 cm, sin que se sepa cuáles fueron las causas por la que se redujo el lienzo en el que se debía representar a la protagonista, Miss Jeanning, de cuerpo entero y la habitación estaría recogida con más amplitud. Tampoco se sabe quién era la dama retratada, si era conocida de Regoyos o modelo de Whistler, lo que es seguro, comenta el museo, es que se llamaba Jeanning pues así tituló la obra el propio Regoyos aunque años después, tras el fallecimiento del pintor, fue la familia del pintor quien la tituló Dama ante el espejo.

Otra obra del autor en el museo bilbaino es este interesante Baño en Rentería, pintura impresionista en la que utiliza el puntillismo en algunas zonas.

Baño en Rentería (1900) Óleo sobre lienzo (76,5 x 57,5)

Museo de Bellas Arte de Bilbao, en Museo Plaza, 2 de Bilbao.

MUSEO REINA SOFÍA DE MADRID

Vista del Pont-Royal,  París (1881) Óleo sobre tabla

Paco Gómez

París (1962) Copia positivada en 2006
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
 (Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

En el rincón del Bellas Artes de San Fernando de Madrid, lugar que la institución reserva a la fotografía, la exposición, igual que su autor, Paco Gómez, me resultó en su momento (2021) un bellísimo encuentro con un fotógrafo cautivador. En el breve texto que se expone en el muro de la sala, que nos introduce en la obra y la persona de Gómez: "El maestro Ramón Masats nos ha dejado dicho que el mejor fotógrafo de su generación, el más delicado y creativo, es Paco Gómnez (Pamplona, 1918-Madrid-1998)."

Fachada en el paseo de la Habana (1974) Copia positivada en 2005
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
(Adquirida en 2005 con cargo al legado Guitrarte)

"Figura mayor de la Generación de los sesenta, el suyo es un universo intimista y atemporal. Ajeno al cambiante dictado de las modas, Gómez se recluye en un espacio visual limitado y personal, para construir, honesta y calladamente, ese lenguaje despojado y profundamente original, que le va a servir para acceder a la poesía natural de las cosas más humildes -paredes desconchadas, ámbitos desolados, graffitis, objetos abandonados- de la que hablaba Brassäi."

Tapia y árbol (1956) Copia positivada en 2006.
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte

"En esta sencillez cargada de evocación y de nostlgia, reside la magia de Paco Gómez, el miembro más adelantado de la Escuela de Madrid; el más arriesgado, el más sutil, el más irónicamente tierno y entrañable."

Bodegón con granada y margaritas (1962) Copia positivada en 2006.
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
(Adquirida en 2006 vcon cargo al legado Guitarte)

París (1962) Copia positivada en 2006.
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
 (Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

Maniquí (1975) Copia positivada en 2006.
Gelatinobromuro de plata sobre papel baritado
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

Como colofón a la nota de la exposición, un recordatorio a los visitantes que bien merece la pena reproducir aquí:

"Las fotografías expuestas en esta sala forman parte de la Colección de Fotografía que la Academia de San Fernando ha reunido en los últimos diez años, gracias a la inagotable generosidad de los fotógrafos españoles y a la firme y constante labor de mecenazgo de Adolfo Autric."

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en calle Alcalá, 13 de Madrid

Enrique Martínez Cubells

MUSEO PROVINCIAL DE LUGO

Traigo esta obra de Martínez Cubells , que podemos ver en el Museo Provincial de Lugo, recordando una obra del mismo artista del Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Precisamente es la reseña de esa obra del Bellas Artes la que utilizo como introducción: "Hijo y discípulo del pintor y coleccionista Salvador Martínez Cubells (1845-1914), el joven artista reside a finales del siglo XIX en Munich, entonces importante centro de la pintura moderna, esta larga estancia le permite madurar su propio estilo. Sin olvidar el paisaje y el retrato, cultivará con preferencia las marinas y los aspectos costumbristas de las playas y puertos." En esta ocasión Martínez-Cubells retrata a una mujer en el interior de una cocina iluminada por un gran ventanal. De la obra atrae el espacio, como si se hubiese retirado de la escena a la mujer para ampliar aún más el vacío de la estancia, y el uso de colores fríos que proporcionan sensación de pobreza propia del costumbrismo de finales del XIX.

Interior (88 x 83 cm.) Óleo/lienzo. Donación hermanos Fernández López

Museo Provincial de Lugo, en plaza de la Soledad s/n. Lugo.

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

Visita a la Academia de San Fernando solo con el propósito de ver y fotografiar estas dos obras de Enrique Martínez-Cubells: Vieja pescadora y Regreso de la pesca. Como comentaba en la obra que encabeza esta entrada del Provincial de Lugo, ambas obras están acompañadas por cartelas que nos ayudan a comprender los lienzos.

Regreso de la pesca (1,58x2,03 m) Óleo sobre lienzo. Firmado E.M. CVBELLS RVIZ
Donado por la viuda del pintor , Dª Josefa Gargallo, en 1949

Martínez-Cubells, nos narra la cartela de esta obra sin fecha, fue "Hijo y discípulo del pintor y coleccionista Salvador Martínez Cubells (1845-1914), el joven artísta reside a finales del siglo XIX en Munich, entonces importante centro de la pintura moderna. Esta larga estancia le permitirá madurar su propio estilo. Sin olvidar el paisaje y el retrato, cultivará con preferencia las marinas y los aspectos costumbristas de as playas y puertos. Capta escenas cotidianas, como en este lienzo, indagando en los efects de la luz y sombra sobre el agua". Cabe destacar que por el tamaño del lienzo, la iluminación de la obra incide de marea especial en la parte superior del cuadro difuminándolo.

Vieja pescadora (1,06x0,82 m.) Óleo sobre lienzo. Firmado: E.M-CVBELLS RVIZ
Donado por el artista en su ingreso en la Academia en 1932

Sobre esta Vieja pescadora, obra también sin fecha, la cartela nos traslada a la formación del pintor madrileño en el extranjero tal como se menciona en la obra anterior: "Tras formarse con su padre Salvador, ingresa en la Escuela Especial de San Fernando, donde más tarde será profesor y académico. En un largo viaje por Europa iniciado en 1899, cultiva los temas marineros tomando como referencia los asuntos norteños que representan el mar, el regreso de las barcas y sus gentes humildes, como es el caso de esta vieja que desciende unas húmedas escaleras."

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en calle Alcalá, 13 de Madrid

Luis Feito López

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando el visitante encuentra expuestas estas dos obras de Luis Feito, la Nº 1763 de la producción del artista (1997) y la Número 2576 de la producción del artista (2011). Cuando tomé las fotografías de estas dos obras, encontré que existía cierta efervescendia por Feito, el artista había fallecido en 2021 y quizá fue esta la causa. Desde entonces dormían en el archivo. Hace pocas fechas, en un exposición en la que una galería exponía obra de varios artistas, esas muestras que se hacen entre exposiciones individuales, encontré una de sus cuadros, y ahora en el recuerdo, traigo estas dos a la espera de recuperar la tercera expuesta en la galería. Las cartelas del Bellas Artes, siempre son explícitas, tanto con la obra como con el artista, nos deja una pequeña lección de arte.

Nº 1763 de la producciuón del artista (1997) Acrílico sobre lienzo
1,62 x 1,30 m.  Donada por el artista en su ingreso a la Academia en 1998

Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, casi medio siglo después Feito llega de nuevo a la Academia como miembro de número. Su postura ante el quehacer artístico es rigurosa: la obra de arte debe ser construida por sí misma y no como fruto de una especulación intelectual. La actitud de Feito es concentrada y humilde, ajena al garabato gratuito o casual; el artista debe desaparecer detrás de su obra, y ésta ni siquiera recibe un título. Su obra se fundamenta en raíces europeas (ha vivido en París casi treinta años), pero le interesa el budismo zen y su búsqueda espiritual.

Número 2506 de la producción del artista (2011) Acrílico sobre lienzo
130 x 162 cm. Donado por el artista en 2011

Estamos ante un cuadro muy distinto del donado por el académico al ingresar en la corporación. 

Feito expresa en su obra la dualidad y el combate que son la condición del ser humano. Su etapa de Nueva York, en especial, le permitió entender e incorporar a su obra esa continua tensión entre el caos y el orden. Siempre existe un conflicto, declara el pintor en una entrevista del año 2000, y a veces "hay una tendencia que se impone, como me ha ocurrido hace dos o tres años con la tendencia geomética: el borde de la línea, esa depuración, es la que ha ganado...". El cuadro aludido (Nº 1763) pertenece a ese grupo de obras.

Por el contrario, con el presente lienzo el pintor llega a un verdadero estallido de las formas, de modo aparentemente improvisado pero manteniendo un dominio riguroso del lenguaje plástico, cuyo fundamento él mismo sitúa en la formación tradicional recibida en la Escuela de San Fernando. El color rojo, que desde comienzos de los 60 ha introducido Feito como contrapunto del blanco y del negro, irrumpe aquí con fuerza irresistible, sugiriendo la violencia de una herida, pero también la vitalidad poderosa. Hay en el cuadro una profundidad espacial desde la que brota una explosión de vigorosas pinceladas, como venidas de un lugar misterioso y desconocido. Feito trabaja y avanza cada día por un camino que desconoce, y esto es para él lo más difícil de la profesión de pintor y a la vez lo más apasionante.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, calle Alcalá, 13 de Madrid.

Azulejos de Triana - Sevilla

 En nuestra visita al Museo Provincial de Lugo encontramos una interesante y magnifica colección de cerámica entre la que destacan piezas de Talavera de la Reina, Manises y estas del sevillano barrio de Triana que son las que nos ocupa y que tanto interés nos produjo. Junto a las piezas expuestas las cartelas ilustran de manera sencilla su historia y la técnica de elaboración.

Panel de cuatro azulejos. Cuernca o arista. Triana. Sevilla. Siglo XVI

Los azulejos fabricados en el barrio de Triana, herederos de la tradición hispanomusulmana, tuviereon su momento de esplendor entre los siglos XV y XVI, época en la que Sevilla poseía el monopolio del comercio entre Europa y América.

El repertorio decorativo refleja la fusión del arte mudéjar con los nuevos temas del Renacimiento italiano.

La técnica de la cuerda seca consistía en trazar un dibujo a pincel, con tinta grasa y óxido de manganeso, para delimitar los colores de la composición.

La cuerda hendida era una técnica mixta en la que las líneas del dibujo a pincel reforzaban una decoración previamente marcada, en la pasta fresca.

Azulejos. Técnica de cuerda seca hendida. Triana. Sevilla. Siglo XVI

La técnica de cuenca o arista supuso una revolución en la fabricación de los azulejos del siglo XVI, consistente en la aplicación de troqueles que producían sobre el barro fresco unas aristas que impedían la mezcla de los diferentes colores.

Panel de cuatro azulejos. Cuenca o arista. Triana. Sevilla. Siglo XVI

Panel de cuatrro azulejos. Cuenca o arista. Triana. Sevilla. Siglo XVI

Museo Provincial de Lugo, Plaza de la Soledad, s/n. Lugo.

El Greco

Persona singular, pintor excepcional al que salgunos dicen que su pinbtura huele a muerto. Sin embargo la primera sensación que tiene el visitante al entrar en la sala del Greco del Museo del Prado es el impacto de una explosión de color. Nada de esto se suele explica. Recuerdo un librito de Calvo Serraller sobre nuestro pintor que leía en los transportes públicos, en él se hacen referencias a su vida, su obra y personalidad, la localización de algunas de sus uobras, dispersa por museos e iglesias, un poderoso atractivo para incentivar visitas. Del Greco hay obras inconmensurables, inabarcables y tan comentadas que es mejor obviarlas, como El entierro del Señor de Orgaz o El Expolio que no tiene sentido traerlas aquí. Por esta razón comienzo esta entrada con este pequeño cuadro de las Colecciones Reales.

El Greco. Adoración del nombre de Jesús o Alegoría de la Santa Liga
Óleo sobre lienzo (hacia 1577-1579)

La cartela de esta obra la describe: "La complejidad iconográfica de la escena ha dado lugar a múltiples interpretaciones. Pero la explicación teológica, basada en la epístola de San Pablo a los Filipenses, parece la más reazonable, planteándose como una adoración del santo nombre de Jesús por los representantes del cielo, tierra e infierno. Además se interpreta como una conmemoración alegórica de la Santa Liga, formada por España, Venecia y el Papado, que en 1571 ganó la batalla decisiva de Lepanto contra los turcos. La razón se debe a que en el lienzo se identifican los principales aliados: Felipe II vestido de negro, el dux Alvise Mocenigo y al papa Pío V, junto  sus grandes capitanes, como don Juan de Austria, vestido a la romana. En 1656 ingresó en El Escorial, junto al importante lote de pinturas efectuado por Felipe IV, en cuya colección intervino su pintor de cámara Diego Velázquez".

Galería de las Colecciones Reales, calle Bailén, s/n. Madrid

REAL ACADEMIA BELLAS ARTES SAN FERNANDO

La obra de El Greco, bastante dispersa, uno no sabe si para bien porque se tiene acceso a sus obras en muchos sitios, o para mal, porque lo más concentrado de sus obras es precisamente en un solo sitio, El Prado donde no se pueden fotografiar. Este San Jerónimo (1600-1605) lo podemos ver en la Real Academia de San Fernando de Madrid, la cartela, siempre generosa con el visitante, comenta: 

"Jerónimo (342-420), uno de los cuatro padres de la iglesia occidental, se retiró cuatro años al desierto para llevar una vida de meditación, estudio y penitencia", lo que le valió ser uno de los santos más venerados por la Contrarreforma (siglos XVI-XVII) y por tanto uno de los santos más representados por los artistas de la época.

San erónimo (1600-1605) Óleo sobre lienzo

Entre estos artistas se encuentra El Greco que pinto en varias ocasiones al santo y "su espiritualidad, si bien este cuadro de la Academia destaca por la intensidad que emana de su figura. Semidesnudo en el interior de una cueva , Jerónimo está acompañado por alguno de sus símbolos más destacados: la calavera y el reloj de arena, alusivos a la reflexión; el manto rojo alusivo a su condición religiosa; el Crucifijo; y la denominada Vulgata, la primera traducción al latín de la Biblia de la que fue autor".

En el museo de la Academia tan solo encontramos esta obra de El Greco que fue adquirida recientemnte, en 1984, según la cartela, perteneció a la colección del marqués de Santa María de Silvela y la adquisición de hizo a cargo del Legado Guitarte.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, calle Alcalá. 13 de Madrid.

MUSEOS FARO SANTANDER

Dos obras de El Greco en el Faro Santander, una luminosa plena de colorido como corresponde a una anunciación y otra oscura y triste, una crucifixión. La primer da comienzo a la exposición como muestra de color; la segunda, más íntima, entre el resto de obras, entre Alonso Cano y Gregorio Fernández, la muerte de Cristo.

Anunciación (1916) Óleo sobgre lienzo

En la Anunciación representa la parte divina de la obra de El Greco, el cielo, la gloria coronando la obra y el Espiritu Santo; en la segunda una fuerza inaudita, la agonía triste, terrena, Cristo en la cruz y las tinieblas que se ciernen sobre la ciudad, la Catedral, San Juan de los Reyes y el Puente de Alcántara.

Cristo agonizante con Toledo al fondo (1604-1614) Óleo sobre lienzo

Museo Faro Santander, en Paseo de Pereda, 9-12 de Santander

Cerámica inglesa

En una visita al Museo del Romanticismo de Madrid, podeemos ver esta bandeja conmemorativa de la concesión de puerto franco al puerto de Cádiz en 1829. La creación de un puerto franco fue la aspiración de Cádiz para revitalizar su esplendor como puerto, que había perdido en los últimos treinta años, del tráfico marítimo con ultramar como puerta de entrada a Europa. Los avatares militares y políticos desde 1793 hasta 1829,  habían sumido al puerto gaditano en una profunda depresión; esta solución, propuesta por la burguesía mercantil de Cádiz, encontró muy pronto la oposición de hacendistas conservadores y sectores proteccionistas como los algodonistas catalanes, que consiguieron que se derogara la franquicia portuaria tan solo dos años después. Llama la atención que esta pieza sea de fabricación inglesa dada la gran calidad que las cerámicas y porcelanas españolas habían alcanzado hasta poco antes de estas fechas.

Bandeja conmemorativa del nombramiento de Cádiz como puerto franco en 1829
Producción inglesa. Loza estampada, ca. 1830

Hay historiadores que sostienen que una de las consignas que tenían las tropas francesas y británicas durante la guerra de la Guerra de Independencia Española (1808-1814) era elimninar cualquier competencia que la industria española supusiese para los intereses de sus paises. Uno de esos episodios fue, sin duda, la destrucción de la Real Fábrica de porcelana del Buen Retiro, dada la gran calidad que habían alcanzado sus porcelanas. Sus instantaciones fueron saqueadas por las tropas napoleónicas en 1808 y arrasadas e incendiado su archivo en 1812 por la tropas aliadas de Wellington. Aunque tuvo su continuación en la Real  Fábrica de la Moncloa fundada por Fernando VII a partir de 1818, en 1823 se abandonó la quimera de la produción de porcelana para dedicarse en exclusiva a la loza fina, hasta que en 1850 debido a su mala gestión cerró definitivamente.

Para esta entrada he consultado la siguiente documentación:

Porcelana del Buen Retiro, en web del Instituto Cervantes. Centro Virtual Cervantes, cvc.cervantes.es

Torrejón Chaves, Juan, El puerto franco de Cádiz 1829-1831, Universidad de Cádiz, 2002

Real Fábrica de Porcelana del Buen Retiro, en web Museo del Ptrado, museodelprado.es

Hermenegildo Anglada Camarasa

Estrecho de Bóquer después de la lluvia (1952)  Óleo sobre lienzo. 0,85x1,10 cm)

Esta obra la podemos ver en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Quizá no sea lo más correcto comenzar esta entrada sobre Anglada Camarasa con una obra del final de su vida, tal como nos revela la cartela del cuadro, lo mejor hubiese sido buscar una obra más temprana, pero lo cierto es que Anglada es un pintor del que he conseguido pocas imágnes de sus obras: "En el retiro mallorquín del final de su vida, Anglada-Camarasa cultiva más que nunca el paisaje. Hay un lugar especial que vuelve insistentemente en sus obras: las grandes rocas que se hallaban en el camino de Puerto de Pollensa a Bóquer, llamadas por el mismo 'los elefantes'. Casi octogenario, sigue experimetndo con la luz mediterránea que matiza los morados, grises, verdes y lilas. Este mismo paraje se ve en otros lienzos del artista en otras coleccionbes". Donado por el artista en su ingreso en la Academia en 1954.

En torno a la descripción que hace la cartela de la obra, traigo a colación este texto de Rafael Alberti sobre la paleta de Anglada Camarasa en 1920:

"Todos los almendros han florecido. Toda variedad de morados, amarillos, tierras o carmines, verdes-azules... y grandes manchas de ocre. En fin, una visita a la paleta de Anglada, o a un salón de arte contemporáneo". Rafael Alberti, febrero 1920.

Nota: Hermenegildo Anglada Camarasa (Barcelona 1872-Pollensa 1959) Estudió en la Academia de Bellas Artes de Barcelona y luego se trasladó a París. Hacia 1920 gozaba ya de celebridad internacional y era considerado como uno de los más notables representantes del postimpresionismo. El colorido de sus paisajes, con una técnica de densos empastes, se le ha calificado como "esmaltístico"; su colorismo equivale a lo que en literatura es el estilo sensual de Gabriel Miró.

Un amigo de juventud: Cartas de Rafael Alberti a Celestino Espinosa, Ed. Mª Paz Sanz Álvarez, Madrid 2002.

REINA SOFÍA DE MADRID

Hermenegildo Anglada Camarasa. Andares gitanos (1902) Óleo sobre lienzo

Al contrario de las cartelas del Bellas Artes de San Fernando, el Reina Sofía suele ser muy escueto en las comentarios de las obras expuestas, en alguna ocasión ya mencioné que el Reina obliga al observador a investigar sobre las obras y el autor, algo que no está nada mal, sobre todo, para incentivar la curiosidad del visitante. Esto es lo que ocurere con estos Andares gitanos (1902) o Sonia de Klamery (echada) (ca. 1913) -ha en el museo otro retrato de Sonia de Klamery de pie- obras de Camarasa en la que ni tan siquiera se ofrecen las medidas de los lienzos.

Sonia de Klamery (echada). Óleo sobre lienzo (ca. 1913)
Donación de Daniel Carballo Prat, conde de Pradère, 1933

Cerámica Nazarí

Tras la batalla de las Navas de Tolosa (1212), la derrota almohade propicia la división de Al-Andalus en un mosaico de reinos de taifas. En 1232 Muhammad I, de la familia Banu Nasr, es elegido emir en Arjona (Jaén), y pocos años después, en 1238, se adhieren a su emirato Granada, Málaga y Almería. En 1246 el rey de Castilla, Fernando III, pone cerco a Jaén por lo que Muhammad I se ve obligado a pactar con el rey castellano, fijando el pago de parias y los límites de la frontera entre ambos reinos. Así nace el Reino Nazarí de Granada que perdurará hasta la conquista de la capital granadina en 1492 por los Reyes Católicos.

Jarrón tipo Alhambra (Siglo XIV) Hornos (Jaén)

El reino nazarí va a ser el único y último exponente de la cultura andalusí en la península, a la vez que único reino musulmán de Hispania manteniendo rasgo identitarios culturales propios, uno de ellos es este jarrón tipo Alhambra del siglo XIV que la cartela del Museo Arqueológico Nacional de Madrid nos describe: "Realizado con técnica de reflejo metálico. De base cónica invertida sin vidriar y decorada con estrías; dos asas tipo aleta, una de ellas fracturada y cuello esbelto facetado en ocho caras. Decoración vidriada en basdas verticales en azul, separadas por otras en dorado; con motivos geométricos y de ataurique. En el arranque del cuello, una inscripión de caracteres cúficos".

MIJAS

Candil que se puede ver en el Museo Histórico Etnográfico de Mijas, es una de esas pequeñas sorpresas que depara un museo que, aunque pequeño, está bien organizado con piezas de calidad como esta.

Candil. Campanales (Málaga) Siglos XIII-XIV

ESCUDOS HERALDICOS

Estos dos escudos heráldicos se exhiben en el British Museum de Londres. Al independizarse el reino nazarí del Sultanato Benimerí del norte de África, tras la derrota de la batalla del Salado (1340) la dinastía gobernante adoptó la costumbre de las monarquías cristianas de dotarse de un escudo heráldico. El escudo de armas se asocia al de la orden de la Banda, orden de caballería fundada por Alfonso XI, el vencedor de ela batalla Salado, de carácter laico.

El escudo del reino también lo podemos encontrar en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid. Es idéntico al anterior que se exhibe en el museo británico. La cartela aquí es tan breve como la del museo londinense, aunque nos ofrece la traducción del emblema nazarí: "con el lema 'Solo Dios es vencedor'."

Azulejo. Siglo XV. Granada