Tapices

Los tapices son obras que suelen tener escasa repercusión en el público porque, al igual que la cerámica, parece más propio de la artesanía que del arte en general, cuando en realidad, creo, debe tener y tiene el mismo carácter artístico y creativo. Aparte de la obra de Luis Garrido, no he visto ninguna exposición exclusiva de tapices por lo que voy a ir trayendo algunas obras que he podido recoger en algunas muestras y, sobre todo, en algún museo, ordenadas alfabéticamente por el nombre de su autor , y si me es posible por la cantidad de obra que vaya descubriendo, hacer una entrada de ese autor.

MAPA DE LANAS

Si hubo algo claro de esta exposición fue su total incomprensión. No comprendí hasta mucho tiempo después cuál era el objeto de la muestra. Estaban estas tres obras y un cartel que lo explicaba a través de código QR, y había también unas fotografías de ovejas, realmente buenas y de las que no conservo ni una de ellas, de un fotógrafo de quien tampoco recuerdo su nombre, sobre las diferentes razas de ovejas y su lana. Dos de las obras, tejidas en cuadros, eran de las reclusas de la cárcel de Brieva (Ávila), y la tercera, la única no firmada que tenía bordado el siente lema: "Conversar es también una forma de arte. Joseph Beuys". Asunción de Álvaro. 2023.

Mapa de Lanas,  en Fundación Ávila, en plaza Italia de Ávila, en 2023

RAQUEL RODRIGO

Calle José Abascal. Bajando hacia La Castellana. A través de una puerta giratoria se ve una obra. Es una sucursal bancaria, pero no hay cajeros ni clientes, sólo un mostrador con una señorita. Pido permiso para fotografiar la obra, es sin duda un tapiz, aunque no sabría decir si en realidad lo es. Obra de Raquel Rodrigo, quizá de esta artista, joven y pujante, encuentre más obra. La técnica es punto de cruz; al pie de la obra una cartela que me orienta.

Raquel Rodrigo (2018)

"La excelencia es la virtud de lo superior, aquello que exalta las normas ordinarias. Es también un objetivo, una dinámica en constante cambio como lo que construimos día tras día, aspirando a hacerlo cada vez mejor."

"Con tonalidades excelentes como el dorado, fusionándolo cuidadosamente con el azul corporativos, confluyen distintos inicios y finales, diversos colores y materiales, líneas de punto de cruz que se unen para formar un círculo que no tiene conclusión sino que se encuentra en constante cambio, un círculo dinámico resultado de un trabajo diario que busca continuamente la excelencia. Y en esa excelencia está el orgullo y la satisfacción de los resultados sostenibles y superiores, uno de los valores en los que se asienta Barclays."

Habrá algún lector que piense que me podía haber ahorrado la transcripción de la cartela por la propaganda del banco, quizá sí, tal vez; pero la entidad me deja, exhibe la obra. Por eso la transcribo.

SONIA NAVARRO

Sonia Navarro. Signo y símbolo (2003) Lino, rafia y algodón tejido
Colección Mariano Yera

Obra de Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, Murcia) 1975. En Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. en Cuartel de Conde Duque, calle Conde Duque, 9-11 de Madrid.

Oriol Maspons

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO DE MADRID

TBO. Niños en la Barceloneta. Toma, año 1958. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

A finales de 2025 visitamos esta muestra de Oriol Maspons en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en la que se hace un recorrido de su obra que en algunas ocasiones había podido ver en otras muestra y galerías. Por una razón u otra las fotografías que tomé de ellas no tuvieron la mínima calidad, así que ésta de la Real Academia fue todo un regalo, tanto por las fotografías expuestas como por la reseña que el académico Públio López Mondéjar hizo del fotógrafo barcelonés.

Familia nómada de gitanos (La Mancha). Toma año 1960. Copia posterior
(Donada por el autor)

"Fue uno de los más activos e influyentes fotógrafos de la Escuela de Barcelona, de la que fue uno de sus miembros más insignes. En 1951 ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y dos años después comenzó su amistad con Catalá Roca".

La Mancha. Toma año 1961. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

"En 1953 fue enviado a París por una compañía de seguros. Allí frecuentó los ambientes fotográficos y conoció a Robert Doisneau, Cartier Bresson, Brassaï, Guy Bourdin y a los miembros del influyente Grupo Los 30 x 40." De esta época parisina no he conseguido ninguna imagen.

Toreo de salón (Barcelona). Toma, año 1962. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

"Cuando en 1956 regresó a Barcelona, ya sabía que iba a ser fotógrafo, pero no un diletante aficionado como sus antiguos compañeros de AFC, sino un fotógrafo profesional, capaz de hacer reportajes, retratos y fotografías de moda y de publicidad."

Sitges. Toma, año 1958. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

"Desde entonces, y durante casi medio siglo, no dejó de trabajar para la prensa, las editoriales, los estudios de cine y las emergentes compañías publicitarias. En tan largos años reunió una obra importante, que comenzó a hacerse pública a partir de los años setenta. Así mismo ha estado presente en todas las exposiciones, antologías y jornadas fotográficas importantes celebradas en España y países de Europa y América."

Turistas inglesas en la Coista Brava (Calella). Toma, año 1959. Copia posterior
(Adquirid en 2006 con cargo al legado Guitarte)

"En la obra de Maspons -ha escrito luis Permanyer en el prólogo de uno de sus libros- conviven con toda naturalidad dos mundos bien distintos, el amable y el mundano con el surrealista y el denunciable. Tal docotomía en habitual en él, ya que en el fondo no se plantea posiciones ideológicas, sino que hace en cada momento y en cada etapa lo que le pide el cuerpo y la cámara, porque casi siempre ha sido un ojo que vive tras el objetivo".  

Hippies (Ibiza) Toma, año 1976. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

Concluye en su presentación  análisis de la obra y personalidad de Maspons el académico López Mondéjar: "Maspons trabajó siempre de una manera intuitiva, alejado de toda disciplina estética, mostrando siempre los aspectos más disonantes de la realidad. Así ha sido capaz de hallar la belleza en los ámbitos más variados del universo del tardo franquismo y de los umbrales de la democracia. Así fue capaz de legarnos una estampa comprensiva y deslumbrante de aquellos años de penitencia."

Somorrostro (Barcelona). Toma, año 1960. Copia Posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al lergado Guitarte)

Toreo de salón (Barcelona). Toma, año 1962. Copia posterior
(Adquirida en 2006 con cargo al legado Guitarte)

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en calle Alcalá, 13 de Madrid

LEICA. UN SIGLO DE FOTOGRAFÍA

Intensa exposición del centenario de Leica en Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid. Los centenarios son pocos, quizá una de las más antiguos sea ésta fotografía de Oriol Maspons de 1961, una de esas imágenes que no precisan explicación alguna.

La globalización, La Mancha (1961)

Leica. Un siglo de fotografía, en Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, plaza Colón. Madrid.

GALERÍA BLANCA BERLÍN

Salvador Dalí. (ca. 1974) Firma y fecha al pie de la fotografía.

Oriol Maspons /1928-2013); pasearse por la galería Blanca Berlín tiene, siempre, el aliciente de descubrir, mejor aún, degustar imágenes, fotografías, que van más allá de cualquier texto; imágenes que evocan un pasado, como evocan un viejo amor, un sabor añejo inserto en el cerebro y en el paladar, un olor que nos dice que aquella fragancia ya la olimos. Maspons es uno de esos fotógrafos que supieron recoger, retener y recrear esos ambientes, esos movimientos, esas esencias de los años 50 y los años 60, cuando muchos comenzábamos a conocer, a saber, a aprender.

La exposición, creo recordar, se titulaba El Tiempo Detenido, junto con fotografías de Cualladó y Ontañón, y comenzaba con un poema de Rilke: 

    

                                                     Todo lo que apremia

                                                      habrá pasado

                                                      pues sólo es capaz de consagrarnos

                                                      lo que permanece

Hippie convidada (1976)

Galería Blanca Berlín, en calle Limón, 28 de Madrid.

Julio López Hernández

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO DE MADRID

El reflejo (1978) Bronce 0.54 x 0.45 m.

La cartela de esta obra que podemos ver en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, titulada El reflejo, nos introduce de manera clara en el complejo mundo de creativo de Julio López Hernández, donde la imaginación del observador juega con la imagen etérea que le propicia un espejo: "Es una magnífica escultura en la que el artista nos muestra uno de sus temas favoritos: el espejo y su simbolismo, es decir, la capacidad de transmisión de un mensaje ofreciendo parte de la realidad truncada, cuya acción se continúa en la mente del espectador. La retratada, su hija Esperanza, queda reflejada en la mesa, mientras que el gesto de sus manos, otro tema fundamental en la obra de este escultor, se convierte en la protagonista".

PLAZA SANTA ANA DE MADRID

Estatua en bronce de Federico García Lorca en la plaza de Santa Ana de Madrid, frente al Teatro Español. La localización de la obra de Julio López Hernández no es caprichosa, es la respuesta a la solicitud de Miguel Narros, en ese momento director del teatro, para conmemorar el 50 aniversario del estreno de Yerma. La escultura la realizo López Hernández entre 1984 y 1986, aunque en la base de la obra aparece la firma del escultor Julio L. Hernández 85-86. 

Ignacio Zuloaga

Este cuadro, Retrato de la condesa Mathieu de Noailles (1913) de Ignacio Zuloaga, pertenece al Museo de Bellas Artes de Bilbao, lo he fotografiado en la exposición Proust y las artes, en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, excelente semblanza del escritor francés a través de un recorrido por sus trabajos y una rica muestra de pinturas de sus contemporáneos. La obra está enfocada sobre el rostro de la condesa lo que dificulta la visión de los lados, los cortinajes y el cielo. En lo que respecta a autores españoles, cabe destacar la mención que Proust hacía a los tejidos de Fortuny, en su obra cumbre En busca del tiempo perdido,  por lo que era de prever la presencia telas y trajes de Fortuny en la exposición, no así, y es sorprendente, que en esta obra de Zuloaga no se haga mención al pintor autor del cusdro. La cartela comenta sobre ella: "Anna de Noailles se casó con el conde Mathieu de Noailles, primo de Robert de Montesquiou. Poetisa, conoció en 1898 a Proust, con el que mantuvo una interesante correspondencia. Los dos textos más interesantes de nuestro autor sobre la condesa son una larga crítica a su libro Les Éblouissements, y el inserto en Jean Santeuil, donde aparece como Madame de Réveillon".

Proust y las artes, en Museo Thyssen-Bornemisza, en Paseo del Prado, 8 de Madrid hasta el 8 de junio de 2025.

REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES SAN FERNANDO DE MADRID

Retrato de la condesa Mathieu de Noailles (1913) Óleo sobre lienzo (0,60x0,60 m.)

Sobre la anterior obra de Zuloaga es interesante al observador este pequeño lienzo de la condesa Mathieu de Noailles que podemos ver en el Bellas Artes de San Fernando. La cartela del mismo es bastante esclarecedora -las cartelas de este museo suelen ser bastante buena-, en ella podemos leer: "Este pequeño lienzo es un estudio para el conocido retrato de cuerpo entero  que se conserva en el Museo de Bellas Artes de Bilbao (nº 82/50) . Anna de Brancovan, de origen rumano, fue excelente poeta y escritora, así como mecenas del arte y anfitriona admirada en los círculos literarios y aristocráticos parisinos. Zuloaga interpreta magistralmente la personalidad y elegancia de su modelo en este retrato de espléndida y libre factura". La obra, concluye, fue adquirida con cargo a la Herencia Guitarte.

Retrato de Julieta con abanico (1927) Óleo sobre lienzo 0,80x0,65 m.

Otra de las obras de Zuloaga en el Bellas Artes de San Fernando es este magnífico Retrato de Julieta con abanico (1927). En la cartela identifica a la modelo, aunque la obra merece más espacio, en ella se dan unas pinceladas sobre el autor: "De formación casi autodidacta, Zuloaga fue reconocido por primera vez en París en 1899 y, más tarde, en Estados Unidos. Su producción artística se caracteriza por la amplia representación de paisajes y retratos, dos de los géneros que más cultivó. Destacable es este retrato de Julieta, una de sus modelos habituales en la ciudad parisina , representada de medio cuerpo en un ambiente típicamente español al vestirla con mantilla negra, guantes y abanico abierto". La obra fue donada por el propio Zuloaga a la Academia en 1932.

Vista de Toledo. Óleo sobre lienzo (0,91 x 1,20 m.)

Inevitable es la comparación de este cuadro con las vistas de Toledo de El Greco. En este sentido se podemos leer en la cartela del cuadro, en la que no se indica la fecha de obra: "Tras su etapa parisina, Zuloaga se trasladó a Toledo donde recibió una fuerte influencia de El Greco, claramente apreciable en sus paisajes. En ellos se cobinan su afición al modelo compositivo del cretense y una evocación del pasado histórico, místico y artístico de la ciudad española más antigua. Zuloaga pintó varias vistas toledanas en las que aparecen la Catedral, el Alcázar, el caserío urbano y el río Tajo colocados en diferentes ángulos (Nancy y Zumaya)."

Esta obra fue adquirida en 1999, con cargo a la Herencia Guitarte.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en calle Alcalá, 13 de Madrid

Cerámica Amazonía peruana

Chomos volantes, cerámica con diseño kené. Detrás diseños Iskonawa sobre tela.

Quizá sea ésta una de las exposiciones donde menos información he llegado a recabar sobre la técnica ceramista, esta vez sobre la cerámica de la Amazonía peruana. Son tres piezas realmente interesantes de Agustina Valera y Oliver Agustín: Chomos volantes (2018-2020) Cerámica y diseño kené. La exposición gira en torno a la cultura indígena y se hace hincapié en su escasa difusión. Es difícil averiguar primero qué es el chomo al que se refiere la obra, no así el diseño kené, decoración o "conjunto de diseños del grupo étnico Shipibo-Conibo y los diseños del grupo étnico Iskonawa alcanzan a representar una visión abstracta de sus territorios".

Otra pieza interesante es un panel de azulejos de cerámica vidriada, obra de Christian Bendayán, del Taller de cerámica Iturri, titulado Fila india/Recuerdo de Iquitos (2020). En él se representan siete mujeres jóvenes de las que cabe destacar a modo de tatuajes las piernas de seis de ellas con diseño kané.

Christian Bendayán. Fila india/Recuerdo de Iquitos (2020)

Sobre este tipo de cerámica, la cartela narra la evolución de las poblaciones de ribera: "En 1864, con la llegada de los barcos a vapor a la aldea de Iquitos, se inicia el desarrollo de la economía industrial en la Amazonía peruana. Los pequeños puertos se convirtieron en ciudades; casa revestidas de azulejos llegados de Europa, y la instalación de estudios fotográficos fueron indicios de una modernidad vinculada a la llamada  "belle époque" o "art nouveau"; y concluye, "En los últimos cincuenta años, como parte de procesos sociales que afectan a la nación peruana, la migración interna desde la Amazonía a la capital se masificó, principalmente por parte de los miembros de la comunidad Shipibo-Conibo, y con ellos el arte del Kené se ha incorporado en los últimos años a los lenguajes artísticos contemporáneos, participando de nuevos procesos globales de divulgación y de mercado".

Olinda Silvano. De la serie Patrones de kené (2021) Acrílico sobre lienzo

Las obras que se exponen pertenecen a la Colección Hochschild Correa, la entrada es libre hasta el 06 de abril en el Museo Lázaro Galdiano en la calle Serrano, 122 de Madrid.

MUSEO DE AMÉRICA

Después del paseo por el Lázaro Galdiano, en una visita al Museo de América ha sido necesario  un inesperado encuentro con la cultura Shipibo en sus vitrinas para continuar con esta entrada. Buscaba otras culturas pero encontré estas piezas con la misma liturgia Kené, magníficas. Busqué esta entrada para ampliarla con nuevas fotografías e incorporar los comentarios de las cartelas, museísticos, pero comentarios al fin, que enriquecen al lector. En el trayecto por el museo no sólo se aprecian los materiales, la cultura y su legado, sino las personas, por lo que la percepción del objeto es muy diferente -la obra de arte es, por así decirlo, un lujo, una exhibición, un diseño, y el objeto es una herramienta, un útil que representa una necesidad en el que queda impresa la impronta del personaje.

Vasija o Joni Chomo mostrando los mismos diseños kené utilizados en la
pintura corporal. Cultura Shipibo. Alto Amazonas. Cuenca del Ucayali, Perú
Siglo XX. Cerámica pintada

Vasija. Cultura Shipibo. Alto Amazonas. Perú. Siglo XX. Cerámica

Vasija con diseños denominados kené. Cultura Shipibo. Alto Amazonas
Cuenca del Ucayali, Perú. Siglo XX. Cerámica pintada

Abajo, como contrapunto al mural de cerámica Fila india/Recuerdo de Iquitos (2020) de Christián Bendayán, esta fotografía tomada en el Museo de América (de la colección del Museo Nacional de Antropología), en la que se ve a un grupo de muchachas bora con este texto de la cartela: "Fotografía de muchachas bora, uno de los pueblos indígenas esclavizados, torturados y víctimas de genocidio por parte de la Casa Arana durante el boom del Caucho, en la región de Putumayo", en las que las muchachas retratadas con parte de su cuerpo con decoraciones kené.

Fotografía de muchachas bora en la época del boom del caucho
Manuel Rodríguez de Lira (probable) Entre 1902 y 1906

Museo de América, en Avda. de los Reyes Católicos, 6 de Madrid.