Jorge de Oteiza

GALERÍA CASAMÉRICA

De la colección Abanca interesantísima muestra, que no es la primera, algo realmente excepcional que una institución que muestra su colección de forma regular en vez de hacer acopio de obras en despachos de directores y edificios en los que el escaso del público en general es muy limitado.

Desocupación no cúnica del espacio /1958-1959) Acero

En una de las paredes de la exposición podemos leer:

La historia de la escultura la hace un solo escultor, que cambia de nombre personal. La escultura de hoy quiere tener demasiados nombres, distintos e importantes a la vez. Pienso así, pues creo que es la estatua quien hace al escultor y no el escultor a la estatua.

                                                                                                        Jorge Oteiza

Espacio y tiempo, VV.AA. en Galería Casamërica, Marqués del Duero, 2 de Madrid

GALERÍA ANSORENA

2023. Madrid, en Galería Ansorena encuentro esta interesante exposición de Jorge Oteiza: Oteiza. Varias esculturas, unas se recortan en el espacio, otras son volúmenes de piedra, bronce y madera, y obra gráfica. Traigo aquí las de bronce y piedra que me recuerdan a la primera que subí en este post (al final de la entrada).

Poliedro (1958) 2001. Bronce 34,5x42,5x23 cm.

Macla generatriz por doble fisión del cuboide Málevich (1972) 2002
Mármol de Calatorao TZA. 40x60x41,5 cm

Oteiza, en Galería Ansorena en calle Alcalá, 52 de Madrid, hasta el 15 de julio de 2023

ART MADRID 2013 

Aquel año, en 2013, la feria de ArtMadrid se celebró en la Estación de Chamartín, en febrero. Esta Cabeza de Apóstol: San Pedro, creo recordar que estaba en el espacio de la Galería Lorenart. Aparte de las medidas no hay más información de la obra, por lo que al ser similar a la que hay en el Museo Reina Sofía, es de suponer que este bronce, perteneciente a la serie de "las imponentes cabezas de apóstol de 1953" (Manterola Armisén), está fundido basándose en una obra en yeso.

Jorge Oteiza. Cabeza de Apóstol: San Pedro. Bronce (43x28x31)

MUSEO ESPAÑOL DE ARTE ABSTRACTO. CUENCA

 

Cuando visité en 2003 el Museo de Arte Abstracto de Cuenca tomé esta fotografía de Escultura Negra de Jorge de Oteiza, tallada en mármol negro en 1958, según la cartela. No he vuelto a saber más de ella, y aunque nuestro propósito sea el autor y la obra, en este caso empezamos con intentar saber algo más de esta obra, empezando por su nombre. En el catálogo del museo la más parecida es Homenaje a las Meninas, también de 1958, y ésta se repite en el catálogo impreso que compré en el museo hacia 1982. Tiene, la obra del catálogo, unas medidas de 41x38x33 y está tallada en piedra de Marquina. En la cartela del museo no tiene ninguna medida, por lo que se habría de suponer que no es la misma obra o si es la misma está vista desde otro ángulo. La del museo parece tener más materia, la del catálogo más elaboración: Todo ello invita una nueva visita al museo.

Escultura Negra (1958) Mármol negro tallado
Jorge Oteiza (Orio, 1908-San Sebastián, 2003)
Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca

Mats Bäcker

 Cuando llegué a la sala la empleada se disponía a desmontar la exposición Raw Power, de fotógrafo sueco Mats Bäcker, aunque me dijo que se mantendrán las obras en otra sala. Todo un alivio, pensé, no obstante nunca he sabido dónde se encuentra esa otra sala, aunque sé que existe, así que no perdía mucho el tiempo y anduve por la pequeña galería buscando en cada uno de los recovecos que la componen todas las fotografías posibles, intentando retener su localización: bajo la escalera que lleva al despacho, en la entrada, en esa pared donde los reflejos de la luz de la mañana hacen imposible ver la fotografías y mucho menos fotografiarlas; luego por la tarde, aunque las sombras son más largas y la fachada del convento de monjas que hay enfrente, en la otra acera, alta y robusta, escamotea los últimos rayos de sol, tampoco en ese lado se puede fotografiar, ni ver y en ocasiones tan solo intuir algunos detalles.

Hay una fotografía de un Iggi Pop irreconocible, sentado en un sillón ojeando el periódico. Estaba leyendo la noticia del accidente de coche en el que murió Marc Bolan: "Miró hacia arriba y dijo: "James Osterberg", su verdadero nombre...", cuenta Bäcker. Leí en una revista de la época, que aquel accidente suponía el final de T. Rex, "¿Qué va a ser ahora de un tocador de congas?" Fue en 1977 y, con la muerte de Marc Bolan, el dúo que formaba con Steve Pweregrin Took, estaba abocado a desaparecer. Desapareció.

Hay recuerdos que aún perduran de la lectura de aquellas revistas, "una era Popular1"; y a continuación salen varios nombres que ya no recuerdo. Al lado de esa fotografía hay otras dos de Iggi Pop, una de un concierto de 1977, que seguía o antecedía a la del sillón; luego una de Bono (año 1982) y una de Joe Strummer, también del 77. "¿Quién es?" Nos miramos. "El guitarra de The Clash". Nos miramos de nuevo y sonreímos. Enfrente Mick Jagger y Keith Richards. Son fotografías que podían tomarse en el escenario, cerca del músico "en los 80 se empieza a perder esta cercanía y el fotógrafo, a su vez, empieza a perder interés en retratarlos". Comienza el divismo que aleja cada vez más al artista del fotógrafo y del público. De la cercanía del público hay una imagen excelente, -aunque repleta de reflejos, no me resisto a no publicarla- es de Dead Kennedys -Too drunck to fuck- de 1983, sobre las escaleras, "El punk nunca me atrajo". Me vienen a la cabeza las imágenes de Janis Joplin que no están aquí, mezclada con el público o Rory Gallagher sobre los bafles a dos metros del espectador. Gallagher, recordé, tenía miedo a volar, pensé que era la escusa perfecta para beber. Me hubiese gustado ver una fotografía de ellos.

Hay una imagen de Prince, otra de Grace Jones y una de David Bowie, Craked Actor, Brussels, 1983, sentado, sostiene una calavera en una mano, magnífica, como si interpretase Hamlet, bajo un potente foco, en la otra mano el micrófono: "Fue una actuación muy esperada, hacía 5 años que no actuaba, había una expectación tremenda".

Y debajo de la escalera, medio escondida, como ajena al grupo de estrellas, sorbiendo un cóctel en la barra, Marianne Faitfull, Broken English, 1980. Siempre me ha atraído la figura de Marianne, la Balada de Lucy Jordan, "el tema de Thelma y Louise, la musa, quién sabe, de Like a Rolling Stone". Me quedo un rato mirándola. 

Subo al primer piso y me paseo entre las mesas del despacho. Hay varias fotografías que difícilmente puedo retratar por falta de luz, así que enfilo de nuevo las escaleras para detenerme frente a la última fotografía, el gesto irreverente de un enérgico Iggy Pop. Vuelvo a leer a Bäcker: "Durante toda la entrevista Iggy habló de golf, lo que fue una sorpresa, ni parecía ni actuaba como el rebelde al que esperábamos entrevistar". Y con esa frase cabe pensar y preguntarse cuándo los músicos dejaron de ser humanos para convertirse en estrellas inaccesibles, habría que rebuscar en las entrañas de la historia y, sobre todo, del mercado.

La exposición Raw Power, de Mats Bäcker, comisariada por Nathalie Béreau, se clausura esta tarde 30 de abril de 2014 en Mondo Galería, pero te enseñarán las fotos, si vas, en otra sala.

Mondo Galería estaba en la calle San Lucas de Madrid. Un día cerró la sala y se trasladaría a esa otra que nunca visité y que daba, probablemente era allí, a Travesía de Belén, pero también desapareció.

Rafael Sánchez Ferlosio

Desde niño el nombre de Rafael Sánchez Ferlosio, está ligado al El Jarama, desde aquellas lecturas en los libros de texto de mediados de los 60. Cada semana teníamos al menos dos horas de una asignatura extravagante y de relleno: Lectura, aunque luego, muchos años después, tuve la certeza de que no era así. El maestro nos hacía leer en clase. Todos los niños permanecíamos sentado siguiendo la lectura que enfatizaba el lector de turno, el único que estaba de pie. La clase guardaba un silencio monacal. Cada uno de nosotros leía un párrafo de una obra que solía ser el colofón de la lección día. El maestro marcaba el ritmo de la lectura, las comas, los puntos, la acentuación, las interrogantes, las exclamaciones. Una de aquellas lecturas era El Jarama. Ahora de mayor cabía preguntarme cómo aquel libro que ganó el Premio Nadal en 1955, estaba tan temprano en los libros de texto. Años después lo leí completo, y lo volví a releer en el tránsito del siglo, por el puro placer de leer. Retomé las escenas de los domingueros, las inquietudes del grupo de jóvenes bañistas, la luz filtrada entre lo chopos de la ribera y el remanso del río en la presa, la tragedia, el juez, la noche de diligencias y, a grandes rasgos,  empatía y los pesares de alguno de los personajes.

La primera y única vez que vi a Sánchez Ferlosio fue en la Feria del Libro de Madrid. El 11 de junio de 2016. Me vinieron a la mente todos esos personajes y esas escenas de El Jarama. Lamenté no tener el libro en aquel momento para que lo firmara. Tenía, eso sí, por costumbre durante la feria fotografiar a los escritores que acudían a firmar, y éste fue un encuentro inesperado y me conforme con robarle tres fotografías mientras firmaba un ejemplar. En ésta, la única que conseguí hacerle con la cabeza alta, está mirando a alguien que sí le pidió la firma, una mirada, como miraba Ferlosio -al decir de Juan Benet Goitia- que "jamás pudo concentrar su atención en un solo objeto, Ferlosio tenía, y tiene, una manera de mirar bastante grave y, se diría, desganada, como si le costara un desmedido esfuerzo atender a una cosa, una vez que se ha fijado en otra cualquiera".

El Jarama a su paso por Talamanca (Enero 2016)

La cita de Juan Benet es del prólogo de Alfanhuí, y añade en otro momento que él siente que, "se empareja mucho mejor con Alfanhuí que con El Jarama", concluyendo que prefiere "la imperfección del primero" a la "perfección del segundo". Imagino que de no haber sido así no hubiese prologado el libro, no obstante nos trae noticias de El Jarama, por ejemplo que a los pocos meses de publicado "El Jarama, Ferlosio tenía decidido no volver a poner los pies en el ámbito de la novela". Por fortuna no fue así.

Os dejo la portada del ejemplar de El Jarama de Ed. Destino de bolsillo, que está ilustrada con una obra de Georges Braque, Café-Bar (1918); es una edición sencilla, la vigésimosegunda de 2001; no tiene prólogo.

Juan Benet Goitia, prólogo a Industrias y andanzas de Alfanhuí, Biblioteca Básica Salvat, Estella (Navarra), 1982.

La influencia de El Jarama trascendió al ámbito literario y fue un referente en la pintura. Entre los artistas que formaban el grupo de pintores "realistas de Madrid", encontramos este En Jarama (1966) de Isabel Quintanilla de su exposición retrospectiva en el Thyssen Bornemisza de Madrid. En la pared de una de las salas se recoge un fragmento de la novela: "Se veía a la mujer en la cocina, por la ventana abierta, y otra ventana simétrica, al otro lado de la puerta del pasillo, donde brillaba el cromado de una cama, y una colcha amarilla", que puede puede servirnos perfectamente como descripción de una de los cuadros de Quintanilla.

El Jarama. Isabel Quintanilla (1966) Óleo sobre tabla. Colección privada

En la cartela de este cuadro podemos leer: "El Jarama (1956) de Rafael Sánchez Ferlosio fue una obra de referencia para todo el grupo de los realistas de Madrid. El tema, la época, el lugar y la forma de relatar un momento concreto coincidía con su forma de entender lo que para ellos era el realismo. Sánchez Ferlosio dijo de su obra que era lo que sucede en un tiempo y espacio acotado ¿y no es eso lo que ocurre en la pintura de Quintanilla? Isabel pintó este meandro del río como homenaje al libro".

INDUSTRIA Y ANDANZAS DE ALFAHUI

La otra lectura de Sánchez Ferlosio son Industrias y andanzas de Alfanhui; libro que en realidad son dos libros muy distintos, el primero nunca supe si era surrealista, muy lorquiano al principio; para Benet, el primero de los libros son las Industrias, que se haya "dominada por el rigor del cuento fantástico"; el segundo, a partir del segundo capítulo, las Andanzas, su llegada a Madrid como un inmigrante más llegado del campo de Guadalajara, "de la fábula oriental, la narración pasa, de la mano de don Zana, a la commedia dell'art, con fondo de barrio castizo madrileño." algo barojiano. No obstante Sánchez Ferlosio, aunque uno se atreva a nombrar a otros autores, es Sánchez Ferlosio.

La cubierta y lomo del libro de la edición que leí aparece como autor Federico S. Ferlosio, error que se subsana en la portada encabezando la misma Rafael Sánchez Ferlosio.

Kâulak (Antonio Cánovas del Castillo)

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA EN MADRID

Máquinas de fotos de Kâulak. Según se puede leer en la cartela de la exposición (septiembre 2024), esta máquina "procedente del estudio de Kâulak, Antonio Cánovas del Castillo (1982-1933) intelectual polifacético, con una gran vocación por la fotografía. Cajón de madera, portátil que se podía utilizar sin trípode. Al contar con varias placas, permití posiciones diversas". Junto a la máquina se puede ver la fotografía del matrimonio "Señores Solá" que reproduzco, de otra muestra, más abajo.

Máquina de fotos. Ca. 1900

MUSEO DE ARTES DECORATIVAS DE MADRID

Interesante y comprometida exposición de fotografía Álbum de Salón y Alcoba, incluso valiente, por qué no. En la exposición, en la sala más salón que alcoba, encontramos estas cuatro fotografías de Kâulak, de pequeño tamaño, firmadas todas ellas, aunque una con tal nitidez que parece haberse borrado la firma. En la cartela que acompaña a la serie tan sólo nos dice: Retrato de estudio. Kaulak (Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo), 1921-1922. Copia actual del positivo fotográfico. /Archivo Álbum de Salón y Alcoba. Museo Nacional de Artes Decorativas.

Las imágenes aparentemente parecen anodinas, pero la calidad es excelente y el difuminado, sobre todo la última es excepcional. En tosas ellas prescinde del decorado que suele utilizarse como fondo por lo que la atención del observador se centra únicamente en los personajes retratados.

Álbum de Salón y Alcoba, VV.AA. en el Museo Nacional de Artes Decorativas, calle Montalbán, 12 de Madrid.

Plaza de toros de la Fuente del Berro. Madrid (ha. 1910)
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

"Los tres tomaron un taxi hasta el Hotel Central, en Alcalá, 4. Siempre iban allí los tomelloseros viejos. Siempre el mismo portal con las fotografías de Kaulak.". Francisco García Pavón, Las Hermanas Coloradas, Ed. Destino, pág. 37

BIBLIOTECA NACIONAL

En la antesala del Salón de Lectura María Moliner de la Biblioteca Nacional se exponen varias obras, sobre todo catálogos de las exposiciones que se han llevado a cabo en la Biblioteca. En una de las vitrinas se puede ver esta fotografía que debe ser recordatorio de la exposición Kâulak. Titulada Señores Solá, está acompañada de este breve texto: "Retrato realizado en el estudio fotográfico Kâulak, cuyo lema comercial era: "La fotografía más cara de Madrid, pero también la predilecta del mundo elegante y aristocrático". Fundada en 1904 por Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo (1862-1933), sobrino del político artífice de la Restauración borbónica del mismo nombre, se encontraba ubicada en la calle Alcalá de Madrid y estuvo abierta al público hasta mayo de 1989".

Señores Solá. Copia moderna a partir de negativo de vidrio (1906?)
Negativo 1038 en (Caja de negativos 1304-1309)

EXPOSICIÓN KÂULAK. Fotógrafo, pintor y escritor

Cuentos de la siega. Valdemoro, 1906
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

Magnífica exposición en Biblioteca Nacional de España en Madrid , esta vez rescatando la figura de un personaje de especial interés: el fotógrafo Kâulak, seudónimo de Antonio Cánovas del Castillo. No solo fotógrafo sino que, según la presentación de la exposición, la BNE destaca que "fue un intelectual polifacético que desarrolló una intensa actividad en varias facetas de su vida, sobre todo en la fotografía. Licenciado en Derecho fue pintor, crítico de arte, escritor, compositor, empresario y político", y, aunque algo anecdótico, sobrino del político conservador Cánovas del Castillo.

António Cánovas del Castillo (ha. 1920) Autorretrato
Copia moderna a partir del negativo original en vidrio

"En su actividad fotográfica -continúa la presentación- como amateur (1890-1904) se enmarca en la corriente pictoralista. Fue fundador de la Sociedad Fotográfica de Madrid y creó la revista La fotografía en 1901". En la exposición se divide su trabajo como fotógrafo en dos etapas, amateur y profesional, a partir de la apertura de su estudio. Una primera fase como fotógrafo pictoralista, y la segunda como retratista. A su estudio acuden los más destacados personajes de la época de principios del XX: "El 1 de octubre de 1904 abrió sus puertas en el número 4 de la calle de Alcalá con el nombre de 'Dálton Kâulak'.". El nombre, según la cartela de la exposición, "incluido el acento circunflejo", tenía como propósito transmitir modernidad, algo que aún hoy en día se sigue utilizando por la creencia, en mi opinión, de que lo moderno e innovador viene de fuera: "era un guiño y a la modernidad e influencia extranjera, con el que pretendió, aún más, llamar la atención de la clientela".

Benito Pérez Galdós (h. 1910)
Novelista, dramaturgo, periodista y político.
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

El retrato fue una de sus principales actividades. En la exposición podemos ver una excelente selección de personajes de principio del siglo XX, escritores, políticos, toreros y actores. Según el propio Kâulak, el retrato es, sin duda, la máxima expresión de la fotografía: "Los fotógrafos retratistas, los artistas verdaderos, deben preocuparse antes que del foco y otras menudencias de segundo orden, de la expresión de lo que retratan ... Si el soneto es lo más supremo y arduo en la poesía, puede decirse que el soneto de la fotografía es el retrato". La fotografía moderna, 1912.

Valeriano Weyler Nicolau (h. 1920) Militar y Político
Serie "Hombres ilustres". Papel de plata/gelatina

No obstante su trabajo de campo, dentro de la corriente pictoralista en el que representa escenas costumbristas, aunque amables no dejan de ser una excelente muestra de su trabajo con una cuidada composición de las escenas. Una de las cartelas reproduce un texto suyo publicado respecto a esta corriente: "La transformación de la fotografía (1906), Kaulak explicó las características de las obras pictoralistas: "Conmueven y emocionan, contienen inspiración, personalidad, unidad y casi todas las demás condiciones de las artes".

Escuela al aire libre (h. 1900) Beniaján, Murcia
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

Mujer y niño bajo un árbol junto a un río (h. 1906-1908)
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

Álora. Málaga (h. 1900) La barcaza de Guadalhorce. Composición pictoralista
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

Palmeral de Elche (h. 1900)
Copia moderna a partir de negativo en vidrio

Catedral de Toledo (h.1900)
Copia moderna a partir de negativo original en vidrio

Kâulak. Fotógrafo, pintor y escritor, en Biblioteca Nacional de España, Paseo Recoletos, 20-22 de Madrid, hasta el 28 de agosto de 2022

Alaior Art Contemporani

 El descubrimiento un día antes de nuestra partida de Menorca de un pequeño museo en Alaior, fue toda una satisfacción. Me sorprendió tanto la calidad como la variedad de obras y autores: pintura, escultura, grabado, fotografía,.. Miró, Calder, Óscar Domínguez, Barceló,... Quedaba poco para abandonar la isla y menos tiempo aún para devolver el coche de alquiler, pero descubrir uno a uno los artistas que estaban presentes en las salas y que muchos de ellos estaban recogidos en este blog, por lo que decidí hacer un último viaje, tan solo eran quince minutos de viaje y el único que iba a dedicar al arte contemporáneo en la isla. Este último esfuerzo no defraudó. 

JUAN ASENSIO

Según la nota que se puede leer en web del museo, la obra de Juan Asensio se enmarca "en principio dentro de la abstracción geométrica, ha evolucionado incorporando referencias a la naturaleza dotándola de una mayor organicidad". La obra sin título y de aristas redondeadas no tiene ningún comentario, ni siquiera a las medidas, fue la que me arrastró, sin haberla visto, a la visitar el museo.

Juan Asensio. Sin título.  Escultura de mármol blanco. 2017

MIQUEL BARCELÓ

La obra gráfica de Miquel Barceló es quizá lo más representativo del artista balear. Una de las definiciones que en Alaior Art Contemporani hace de Barceló que es "conocido por emplear técnicas mixtas con la que consigue efectos de bajo relieve y por la expresividad de sus esculturas en bronce o cerámicas". Os dejo alguna de las obras que pode ver en las salas de este interesante museo menorquín. He ordenado las obras por orden cronológico.

Acróstico de cabras I. Estampado a dos caras, litografía, grabado en madera
a fibra, serigrafía, lapicero, sobre papel Japón. 1991 (65x50)

Muy similar a esta obra es Acróstico de Burro III, que ilustró la portada del disco Potro de rabia y miel de Camarón de la Isla.

Feuille sur crâne. Técnica mixta sobre papel. 2007 (63x84)

Sobre esta obra destaco una frase de Dore Ashton en el catálogo: "El cuadro más reciente que he podido ver muestra una representación extraordinariamente detallada de un cráneo humano, con las sombras de los volúmenes señalados". La parte superior de la obra está sobre iluminada en la sala por los reflejos del cristal de la enmarcación.

Seiche adulte. Técnica mixta sobre lienzo. 2015

"Este cuadro que contemplamos es la vida submarina traída a nosotros (...) el resultado es una obra extremadamente moderna a la vez que antigua, un clásico profundamente coetáneo". No es la primera vez que veo una obra de Barceló en la que se representa una sepia.

JOAN MIRÓ

Tras hacer una breve semblanza y trayectoria artística de Miró, la presentación del museo comenta el momento en que se realiza esta obra: "La obra escultórica de Miró supuso la culminación de su trayectoria artística en los años de su madurez creativa. Aunque había realizado objetos surrealistas durante los años 30". Cabe destacar el comentario en la presentación de Miró que en declaraciones suyas, precisamente de los años 30, que "manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos" para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea".

 

Joan Miró. Le Boulangère (1970) Bronce a la cera perdida

La escultura Le Boulangère, de1970, comenta el catálogo sobre la misma, "es un homenaje a la mujer panadera y repostera de Mallorca".

ÓSCAR DOMÓNGUEZ

De la obra no se hace referencia, destaca sin embargo sobre su personalidad que "tras un primer intento de suicidio, instala su segundo taller, esta vez en el barrio de Montparnasse. En su obra refleja el espíritu de imaginativo, violento y atormentado que tenía su vida". Reseñar que el primer taller parisino de Domínguez lo establece en Montmartre a partir de 1935.

Óscar Domínguez. (1948-1950) Femme allongée. Gouache sobre cartón

ALEXANDER CALDER

Interesante la obra de Calder, una serie de litografías en color de 1975-1976 de las que traigo dos de las cinco que pude fotografiar y que mejor se pueden ver (me he permitido eliminar algunos reflejos). Como otras obras no tienen título. Recordar tan solo que Calder muere en noviembre de 1976, en las fechas en que se imprimen estas obras.

Alaior Art Contemporani en carrer Baixamar, 59 en Alaior (Menorca)